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今天跟大家分享一下关于
摄影中的影调，其实就是指画面的明暗层次。 这种明暗层次的变化，是由景物之间的受光不同、景物自身的明暗与色彩变化所带来的。如果说构图是摄影成败的基础，那影调则具有让照片是否好看的力量。
影调对于黑白照片来说，几乎是唯一的决定性力量，决定了照片的层次变化。而实际上对于彩色照片来说，也存在调子高低的变化。即便是我们常说的色调，也是与影调息息相关的，都用于描述照片的层次变化。
影调通常与层次结合起来使用，在黑白照片当中，主要是照片当中的黑色、灰色和白色这三个较为明显的深浅层次。实际上在彩色照片当中，也同样适用，对应的是照片当中的暗调、中间调和亮调。
通过影调的概念，我们可以对自然界中丰富多彩、千变万化的拍摄对象进行总结和提炼，使摄影创作之成为一种概括力和包含性都极强的艺术。影调层次丰富、细腻，这表示照片当中从暗调到亮调中间有较多的中间调层次，画面给人恬静、温和、舒畅之感；而从暗调到亮调过渡不够平滑，跳跃性较强的画面影调，则可以让人感受到激烈、兴奋的情绪。
1、高调
亮调也称为高调，是指照片当中大量由浅色、较亮的像素构成的区域层次。 如果照片当中绝大多数区域都是高亮的，只以极少数的深色景物进行点缀，那么这种照片可以称为高调照片。这类照片可以给人以圣洁、明朗、开阔的感觉，它给人们的视觉感受通常为舒适、明快、宁静、淡雅与轻盈。但如果控制不好，也可能会让人产生惨淡、空虚之感。风光摄影中常用于表现明朗秀丽的风景，人像摄影当中常用语表现年轻的女性及儿童。
拍摄高调照片，要注意取景时一定纳入少量有力的黑色， 否则，高调照片常会显得无力、苍白。这些黑色区域往往可起到“画龙点睛”的作用，或成为画面的视觉中心，或成为画面必不可少的陪体。为了强化高调的效果，拍摄时除取景的不同之外，还可以适当增加一定量的曝光补偿。
上图中，彩色高调照片，因为舍去了很多中间层次，使画面里人物和柱子的表现更加鲜明，极简约地突出了主体，一股欢快愉悦的气息浸入画面。
2、低调
低调人像摄影作品与高调人像摄影作品的定义几乎正好相反，是指以黑色为主的深色区域来构筑画面整体的层次， 黑色几乎占据画面的全部区域，而浅色调的白色等仅仅作为点缀。这样可以为画面形成一种强烈的影调对比，可以表现出神秘、深沉、危险或高贵等非常复杂的情绪。
低调的作品给人以神秘沉重之感，此种影调之下的简约应用，不仅可以增强画面的影调的意境，还可以带来精致感。过滤去掉彩色信息的干扰，突出质感形态，同时也使画面充满形式感和装饰性。
3、中间调
中间调介于高调与低调之间， 整体上看，照片中不应该让大片黑色或浅色景物占据绝对的主导地位，更多区域是亮度一般的中间调区域。由于中间调的主调亮度一般，接近于灰色的明度，所以中间调也称为灰色调。
中间调的摄影作品，一般明暗的反差较小，影调层次层次丰富，过渡非常细腻平滑，令人感受到恬静、舒缓的情绪。但中间调作品中也有反差较大的，画面上以黑白为主，很少有灰色的表现，给人以强烈的视觉印象，同时还有生气、力量与兴奋之感。
需要注意的是，中间调摄影作品，我们不能为了追求层次的细腻过渡，而忽视了强化反差，否则画面可能灰蒙蒙的，不够通透，令人感到不适。无论怎样，整体上看，中间调是摄影中最常见的一种影调画面。
上图是二次曝光将干裂的地面和一棵孤树安排在一个画面里。构图简约明快，线条感强，从前景的黑到中景的深灰，再到远景的浅灰和白，一步步推进，画面层次丰富，变化细腻，画面给人平和、舒适之感。
图/文：史林平
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审美 | 形式美的基本原理（上）
我们要讲的形式美的基本原理，并不是高深的内容，因为这些原理，都是从最最日常、最最普通的生活中提炼出来的。
先来看重复与变异 。
重复，顾名思义，就是相同的物体多次、反复出现。它表现的是一种有秩序、连续的美。
我们刚刚讲的线条的重复就是其中一种，再来看这张：
2016年IPPA Food组获奖作品（拍摄者Daniel Kafalas）
这个蓝莓盒子的基本形在照片中不停地出现，形象的重复起到了一种视觉上的强化作用。你不会割裂地去看单个的蓝莓的盒子，而是感受到一种整体的秩序感。
这张照片也是一样的道理：
这是我在家附近码头拍的，这些集装箱排列得非常整齐，颜色和质感都比较一致，给人一种舒服的感觉。
IPPA 获奖作品 （拍摄者Billy-Kwan）
上面这张是一个艺术展览中的装置，展品的作者有意识地运用了重复的美学规律，一朵朵的白色小花，在黑暗中，形成了一片无声的美。
其实我们平时生活中都有很多重复的美，只不过我以前不知道叫重复。当你知道了重复这个抽象的概念之后，你就更能挖掘出我们身边的重复之美。
最后，再来看这张作品：
事实上，这张照片的作者，著名的德国摄影师迈克尔·沃尔夫（Michael Wolf）就是专门拍摄香港密集的高楼的。
他的照片就是运用重复这一美学规律来表现香港城中人们蜗居、狭窄的生活状态，所以才会这么拍。
沃尔夫的作品也提醒着我们，一切的美学规律也是为了强调照片的主题。他并不想单纯地表现建筑之美，而加入了自己的思考和主题，所以产生了这一系列高楼照片。
在这些照片背后，我们看到的，是一个摄影师的温柔和人文情怀，思想和形式的美在他的作品里得到了双重的统一。
好了，说完重复，再来说说【变异】。
如果说重复是一种有秩序的美，那么变异就是一种突破旧秩序的美。“万绿丛中一点红”“鹤立鸡群”都是如此。
2016年IPPA 获奖作品（拍摄者Guofeng Liu）
在这片重复的陶罐中，你最先注意到的不是陶罐，而是这位弯腰劳作的老妇人。由于这个人物打破了原来的秩序，你的视觉中心自然地转移到了她的身上。
重复中的变异，能让画面变得活跃、丰富。
2017年IPPA 获奖作品（拍摄者Andres-Yepez）
画面中如果没有左上角的人物，光是重复的圆形的话也不错，但是因为这个背影的加入，让照片有了人气儿。究其根源就是变异让画面变得活泼，有了主题。
这张照片简直可爱满分，坐在西瓜上的男人，手里举着切开了的西瓜，清爽又不失生活气息。
来看下面的照片，也是同样的道理：
一大堆原木前的背影，在剧院一排排椅子前的背影，都突破了画面原来的单调格局，形成了视觉焦点。
而且两张照片的元素都非常少，除了人，就是统一的木头或座椅，画面简洁干净，观众绝对不会有不知所云的感受。
小提醒
重复中变异形象的面积不宜太大，否则容易失去变异的美感。除此之外，变异原理还很适合运用在拍建筑和人上面。
2017年IPPA 获奖作品（拍摄者Chaotong-Den）
2017年IPPA 获奖作品（拍摄者Xiaoyang-Wang）
建筑本身的样式有重复，再加上一个小人，就跳脱了出来，形成了一种新的、活跃的美感。这就是重复和变异原理了。
我们要讲的形式美的基本原理的另一个重要内容——对比与调和 。
对比也是一种形式美的基本原理。将两种具有不同性质的东西放在一起时，各自的特性会比它们单独存在时更加突出。
来看这个图：
一般而言，红、黄、橙色属于暖色调，绿、篮、紫色属于冷色调。暖色调和冷色调就形成了一种冷暖对比关系。
比如，红和绿，黄和紫，还有橙和蓝就是对比色。但这不是绝对的，红（暖色调）和蓝（冷色调）也可以形成对比关系。
这就是蓝色和黄色的冷暖对比。在阳光下，画面给人一种明丽的、活泼的感觉。
这张照片里，由于对比的原因，这把小红伞一下就跳出来了，观众的视线也都被引向了小红伞，好奇着伞下的人正在干什么。
再来看这张：
整个画面基本都是暖调的橙色，只有右边的三扇蓝色窗户是冷调的，也是一种对比。
现在，大家已经比较熟悉对比了，那么调和是什么呢？
【调和】强调的是——颜色的和谐、安定与相似性。在上面的第一张图片里，整个画面颜色是相近的，基本都是白、浅灰、深灰，是非常统一的，这就是色彩的调和。
注意标出来的几个色卡，它们接近而且协调，画面的主色调一致。我们在生活中，也可以多去寻找这样色彩调和的场景，或者通过后期去做调整。
再多欣赏两张，感受色彩调和的赏心悦目。
再看这张拍摄于京都的照片：
照片中既有调和，又有对比。对比是大家一眼就能看到的，夜幕降临，华灯还未完全初上之时，红色的铁塔在都市中显得特别亮眼。
而背景的天空和地面的城市又形成了色彩的调和，看起来十分地舒服、统一。
其实，很多出色的电影，也常常用到对比与调和的美学原理。不知道大家有没有看过《布达佩斯大饭店》，这里我截取了一些电影画面，让大家感受其中的色彩的调和与对比之美。
你看电影的每一帧，色彩都很有讲究。上面最大的这张，带有复古色调的粉红、粉白、粉蓝，犹如奇异斑斓的万花筒一般，向我们展示着时代的华美。
再看左列中间那张，是运用了对比，蓝色衣服的人一下就从画面里跳出来了，而且好多张都是对称的构图。
由此，这个导演还被人称为“对称狂魔”呢，我还是很推荐大家去看一看这部电影的。除了情节本身，同学们可以多去欣赏和思考这些电影画面中的色彩之美。
再来看看斩获了奥斯卡最佳摄影奖的《银翼杀手2049》，这部电影的光影效果惊人，属于“每帧都可以作为壁纸”的类型。
来看上面最大的一张，画面是比较调和的，主人公落寞地行走在废墟式的大地上，荒凉孤独。因为电影里所讲述的故事发生在一个没有了植物，到处都是尘沙、废墟式的未来，整个环境都沉重不已、缺乏生机。
同时，这个电影的主题还是比较灰暗、冷峻的，有一种模模糊糊，很不清爽的感觉。再从构图上去看电影，也是出现了很多对称的，三分法这样的经典构图。
除了这部，再推荐王家卫的《一代宗师》，也是学习摄影构图的好电影。
其实，对比与调和不止运用在色彩中，但碍于篇幅所限，我们就只讲色彩这方面的了。
总结一下刚刚学的：
审美 | 形式美的基本原理（下）
讲了重复与变异、对比与调和，现在来看看平衡与对称，和节奏韵律。
如果一张照片是平衡的，我们会觉得舒服、稳定，而不会觉得画面哪边更重或更轻。平衡是一种力的均衡。
【对称】就属于平衡中的一类。
我们在第一天的取景中就学过对称式的取景法：
对称式的照片给人一种舒服的稳定感，表现着力的均衡。所以说对称是平衡中的一种完美形态。
但是平衡并不只有对称，还有打破对称的平衡。
什么意思呢？来看这张照片，大家可以谈谈自己的看法：
这张照片颜色挺美，但是画面好像有点不稳，感觉都歪了，重心似乎都放在了左边。它就是典型的不平衡的。
好，那么再看下一张：
2017 年IPPA People组获奖作品（拍摄者Marina Spironetti）
这张照片中由于加入了右上角的一位女士，画面变得平衡。虽然不是对称的，但也不会有失衡之感。
现在，我们把平衡比作一个天平跟两边放的物体的关系。
看对称的那个天平，两边放的物体重量一致，离中心点的位置也一致，所以力是完全均衡的。
再看平衡1的那个天平，右边更重的物体因为太靠近中心点，所以左边轻的物体就要远离中心点多一些。
中心点在摄影中指的是镜头的位置。平衡1就是下面这张照片的情况：
讲解
你可以发现这位戴帽子的人物体积是很大的，同时呢又离镜头很近，那么这个时候，右上角的女士虽然体积小，但离镜头也很远，就达到了一种平衡。
再来看这张照片：
画面左边的滑板少年体积大，离镜头也比较近，而右边的小人儿体积小，但因为离镜头远，拉开了距离，所以整张照片有平衡之美。如果我们把画面右边的小人儿拿掉，整个画面的重心就会非常偏左，视觉上不太舒服。
这种打破统一构造的平衡相较于对称，有时会多一分活泼。
这三个少年也形成了一种平衡。你看近处的背对着我们的少年体积在画面中的分量很大，离镜头也比较近，所以稍远位置的稍小体积的两位少年要一起，才能让画面均衡。
如果我们用手随便遮掉一个少年，你就会发现画面不稳定了。另外，这三个人也形成了一个三角形，结构比较稳定。这张照片对应的是下图中的平衡2：
这张也是：
你看右边的侧脸的男孩离镜头最近，分量最大，所以需要稍远处和更远处的两个人来平衡，而且这三个点，刚好连成了一个稳定的三角形。
所以我们在拍照的时候，也可以多尝试构造这种平衡关系。最后一个基本原理是节奏韵律。
节奏韵律也是形式美的重要元素。当我们提起节奏的时候会很自然联想到音乐节拍的快慢、强弱、起伏，正是因为有了节奏，旋律才会优美动人。
那么摄影中同样存在节奏，节奏产生的美感就叫韵律。
来看这张照片：
画面中的柱子是相同的，但柱子离我们越来越远，就有了一种纵深关系，产生了近大远小的透视感，这就是一种逐渐减弱的节奏了。
所以节奏是同一要素按照一定规律变化的过程。比如上面那张图，相同的柱子属于“同一要素”，纵深变化就是“按一定规律变化”。
画面颜色也很调和。这里面既有规律和秩序，同时又有独特的个性，所以就产生了节奏。
三张椅子有秩序地、呈线性地排列，然后来到中间椅子的时候，突然有了一些变化，虽然拍的是物体，却给观赏者一种无声的韵律。
接下来看看这张：
2017年IPPA 获奖作品（拍摄者Chaoyue-Pan）
这张在浅灰的雪景中，出现了一排穿着鲜艳的妇女，她们一个跟着一个，有秩序，但是她们每个人的服装、道具和动作又有细微的差别，形成了一种韵律之美。
好，首先墙壁上从左到右挂着的画儿有一种节奏感，然后椅子和椅子上的人又形成了一种节奏，两两呼应的感觉。
好啦，节奏韵律就讲到这里。来总结一下：
现在，你已经掌握了形式美的一些基本原理和规律，之后，你看待世界的眼光就会变得不一样，因为你看事物的视角又变化了。带着这些规律欣赏世界、发现世界，是老师对同学们的期望。
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